まずは、作品とじっくり対峙してみたい。
銀色の台の上に[肉]の衣をまとった女がいる。傍にいる無邪気な子供を見ていない。反対側の牛も見ていない彼女は美しく物憂げなその表情で何を考えているのか理解し難い。しかし、そのほっそりとした身体に纏う[霜降り肉]の衣は、どこまでも美しい。右手には、血を流して死に向かう牛。その血は流れ流れて、煙の中に消える。牛の皮膚と筋肉は、石膏と砂で加工したキャンバス地に筆を重ねた表面によって、とてもリアルな印象を与えている。画面左に位置を占める枝肉も同様な印象を与える。
しかし、画面は丁寧にタッチを重ねた精緻なもので一見リアルなのだが、よく見ると実はリアルでないことに気がつくだろう。それでも鑑賞者の眼は画面の美しさに魅了される。それは、リアルな彼の筆致が、“ハイパー”リアルというよりむしろ、かたちの理想化と空間への配置への執着を徹底させる　という指向性を持った結果なのだ。絵画の中の造形や構図に絶えず気を配る笹田の態度は、非常に真摯でそして優しい。
「かたちをつくる」という芸術の基本を重視している点、また、制作に向きあう姿勢として“油画”としての形式美を追求する点、日本古美術からの引用　などから、笹田の創作は和洋の古典的な手法を踏襲している。しかし、この作品が、古典となっている日本“油画”に混ざって展示されていたら異質な気持ちを抱かせる。さりとて、昨今の映像的な感覚を持ったペインティングや表層を流れる“ライト”な現代美術の展覧会にあってもおそらく馴染むことはない。この「違和感」こそ、笹田作品の肝なのである。 思えば、日本が近代化に向かう時代に、新たにもたらされた西洋絵画を学習した当時の画家たちは、自国の伝統と外国文化の激しい葛藤の中で盛んに描いた。しかし、その結果、西洋風であるが西洋絵画と違う日本独特の土臭さをもった“洋画”が誕生した。それらは、「西洋絵画」にはない何かしらの力を持ったキメラであったはずだ。西洋絵画にも伝統的な日本絵画にも当て嵌められない作品。この辺りにも笹田の創作のヒントがあるだろう。
さて、改めて、彼の作品を振り返ってよく見てほしい。
日本の土着性を保持しながら、西洋への憧憬や古今東西の芸術への尊敬、またモチーフの愛着を感じ、洋画でもない/日本画でもない/リアルでもない/現代でもない/古典でもない…。この“でもない”の螺旋上でどこまでも逸れていく特定のカテゴライズを否定する絵画。これが笹田晋平の表現なのかもしれない。　©Ohshima Fine Art

First of all, let’s take a careful look at the painting.
There is a woman in a silver pedestal. She doesn’t seem to pay attention to the innocent child by her side, nor does she look to the cattle on the other side. But she appears strangely beautiful, and in her face we can see a melancholic expression, but her thoughts are covered by a mysterious veil. Even though the ‘marbled beef robe’ that covers her slender body looks exquisitely beautiful.
In the right side of the picture hangs a cattle bleeding to death, its blood flowing down and vanishing into a spiral of smoke. The skin and the muscles of the cattle look highly realistic, due to the sand and plaster processing given to the canvas, as well as the dressed carcass on the left side of the painting.

At first glance, the canvas looks very real because of the careful touch of the author, but at a closer look the viewer will notice that, in fact, the picture is not real at all, even though the viewer’s eye is captured and fascinated by the beauty of the painting. This is the result of Sasada’s brushwork, that being more than ‘hyper-real’, it is of an obsessed nature regarding idealizing of forms and composition in space. This constantly attentive attitude towards modeling and composition is very sincere and gentle.

Not only from the point that that Sasada gives strong importance to the act of ‘giving form’, one of the basics of art, but also from his attitude seeking aesthetic beauty through oil painting, and the allusions to Japanese antique art that he makes, it can be said that Sasada’s works follows the stream in both oriental and occidental classical techniques. But, if this work were exhibited together with some classical Japanese oil paintings, it would be felt as being out of place. In the other hand, if the work were shown in an exhibition of more ‘light’ contemporary paintings, were more visual trend of these days reign, it would be a stranger also. This sense of strangeness is one of the essences of Sasada.
This brings me to the point that the painters that learned Western painting in the era when Japan was changing towards an occidental modernism, lived in a continuous internal conflict between the traditions of their own country and the new incoming Western cultures, and due to this, created a newborn style of Western painting that wasn’t at all like the original Western painting, and that had a distinctive rusticity. It was like a chimera that had a strange power absent in the ‘traditional Western painting’. They were works that could not be classified as either Western or Japanese paintings. This could also be a hint for Sasada’s creating process.

Then, I want you to look back again to the picture.
While keeping Japanese autochthony inside the frame, it also has the yearning feeling for the West, the respect for the art of all ages and cultures, and the love for the motif, and could not be said to be a Western painting, nor a Japanese painting, not real, nor contemporary, nor classic… It is a painting that denies any trial to categorization, sending the viewer to a never ending spiral of ‘uncategorization’.
This is the painting art of Sasada.　©Ohshima Fine Art

首先讓我們仔細的看看這件畫作。
有個女人在一座銀色座台上。她看來似乎不在意身邊的孩童，也不將注意力放在另一端的牛群上。女人非常美麗，臉上有著憂鬱的神情；然而她的想法已被她罩著的薄紗所掩蓋。即使罩在她身上的“大理石牛肉袍”看來異常精緻美麗。
在畫面右側，有一頭倒吊著流血至死的牛，牠的血往下流淌最後化作一道煙而消失。藉由沙和灰泥在帆布畫作上的效果處理，畫家將牛的皮膚、肌肉線條以及畫面左側的屍骸描繪得相當寫實。乍看時，這幅油畫作品在畫家精心刻畫下看來相當寫實，但再仔細端詳，即會發現這件畫作絲毫不寫實。儘管如此，觀者的注意力還是會被畫作的刻畫吸引。這是畫家笹田高強的雕琢功力所製造出的“超寫實”效果；亦即是將理想中的空間組成體現的結果。笹田不只透徹的體現了藝術最基本的「賦予形體」原則，也藉由油畫表達他追求美感的態度。笹田作品中和式骨董的暗示可以被視為是對東方及西方傳統技巧的追隨。然而，笹田的畫作不論是被放在傳統日本油畫旁一起展出還是與當代藝術中那些視覺主流、較「輕盈」的作品置放在同一展覽中，都顯得突兀而格格不入。

這種奇異特別性正好是笹田的特色之一。在此，可從他求學時接受西方繪畫的薰陶，此時適逢日本藝術界逐漸朝向西方藝術發展。因此，笹田便在自我與外界刺激的矛盾下創造出新的不同於傳統西方畫風，帶有一種不容忽視的原始風味。如同一個日西混合體一般，他的作品有西方繪畫所缺少的一股奇特的力量。因此，是無法被精確的歸類在西方或日本繪畫的。這現象也同時暗示著藝術家創作的過程。

現在，請再看看這件作品。在藝術家將日本根性保留在作品中的同時，也展現了對西方藝術的體認；藝術家透過作品，自其對藝術之愛出發，向歷史上各個階段、各種文化所有藝術表達敬意。如同前面提到的，笹田的作品無法被歸類於日本或西方繪畫，並非寫實、當代或古典繪畫...。其作品拒絕任何歸類的企圖，傳達給觀者一種不斷循環的無法歸類感受，這正可以說是笹田的藝術創作特性。　©Ohshima Fine Art

笹田晋平　創作・2011年

今回の笹田晋平の新作は3点を展示する。
まずは、「シャケ涅槃図NO.4」からである。これは笹田が以前から制作しているシリーズ、「シャケ涅槃図」のひとつである。言うまでもなく、日本の仏画「釈迦涅槃図」を下敷きにしたもので、釈迦（シャカ）が鮭（シャケ）になっている。言葉遊びにとどまらず、釈迦の法衣の皺が切り身の焼きジャケの模様に一致する。
今回作者は、これまでのコンセプトに安住せず、新しい思索の地平に踏み出しているようだ。東洋絵画に西洋絵画の要素を結合し、さらなる意味の重奏とその思想のカオスを試みているのである。
すなわち、西洋の宗教画の最も著名な画題の一つである「最後の晩餐」と東洋の仏画のクライマックス画題、「涅槃図」の融合である。「最後の晩餐」のメインディッシュは魚である。それがここでは、日本の代表的な朝食に挙げられるシャケになっている。そして注目すべきは周りの釈迦の弟子たちを“群像”表現として描き上げていることだ。
この絵画を目にして、何とも言えない不思議な気持ちになるのは自分だけであろうか。もしあなたが日本人なら、何を見るだろうか？　いや、もし西方の鑑賞者であったら?　という疑問を今はそのまま投じてみよう。

さらに今回は、「シャケ涅槃図」のように今までの笹田の連続性のある創作とともに、新たな挑戦作も披露する。
まずは「Deva」。これはサンスクリット語で密教の「天部」を意味する。大きく腕を振り上げた女性は、まさに四天王が邪鬼を踏みつけているように、厳格で力強くも美しい姿として表されている。また、仏神の肉体美も‘絵画’の中の造形や構図に心血を注ぐ作者の心を捉えて離さない。
実は、その手に持っているのは、今回の震災で甚大な津波の被害を受けた米どころ東北産の稲である。
次に「Awakening Night（目覚めの夜）」と題されたもう一点は、夜中の12時を過ぎて、魔法が解けたシンデレラ。舞踏会に酔いしれた城はもう遠く、馬車はかぼちゃに、御者は馬に、馬は鼠に、付き人が犬に戻った。『夢のエネルギー』であった原子力発電所が爆発し、その一晩限りの幻影も一緒に解けてしまった。
しかし、このシンデレラは、寧ろ逞しい女性として表されている。強い力で伸ばされた腕、凛とした眼、指の長い男性的な足。彼女はこの夢のようなカラクリを最初から全て分かっていたのだろうか。彼女の眼に宿る確実に前に進もうとする意思と行為には、表現者としての願いが込められている。

さて、作者はこれまでも西洋と東洋を混合したと思わせる独特な作風を展開してきた。
例えば、シンデレラという西洋のモティーフとの親縁性があるものの、当然西洋絵画とは決して言えない性質を持ち合わせている。
近代日本のいわゆる“洋画”の性質を解釈したり、石膏をキャンバスに塗り込んでひび割れたようなテクスチャーにより古仏画の印象をキャンバスに描いてみたり、という以前からの志向については勿論であるが、西洋絵画の基本である遠近法の奥行きがあるようで、しかしどこか書き割り的な平面性を感じさせる空間構成や日本漫画を想起させる雰囲気が、西洋への連想の輪をあっさり断ち切るようだ。
また一方、「Deva」の中には四天王像の姿形を取り入れたように、“和”の風味もある。が、ひとつ理解できるのは、今の日本の現代美術にあるジャポニズム的な意向は作者には無いことだ。
‘絵画’としての本質の一つである画面の美しさやカタチの理想化とその配置に執着する笹田の真意はそこにはないのである。
いずれにしても、絵画を無意識に西洋的/東洋的、近代的/現代的などとカテゴライズして見る習慣を身につけてしまった我々にとっては、御しがたいシロモノである。西洋とは？東洋とは？日本とは？現代とは？それらの根源的な問いを改めて突き付ける。
これは、笹田自身が、西洋/東洋、近代/現代、どちらにもイーブンな価値を受け入れている考察の結果、と見ても良い。確かに、画面からは其々多様な意味を読み取り撹乱させられる。しかしこれらの作品が、センシティヴに、同時に冷静に自分を見つめる若い作家の‘今’なのである、と断言できるであろう。アートに挑む若き開拓者が、迷いつつも進み、進みつつも迷う。苦悩している故の強い表現もそこにある。これらの作品は、そのありのままの態度、創造の表出こそが魅力なのである。
笹田晋平はこれからも一層強く格闘し、次の次元へ向かう。鑑賞者は今、アーティストの生き様の先鋭化した姿をここに感じ取ることができるだろう。　©Ohshima Fine Art

SASADA Shinpei Works 2011

This time we are exhibiting three paintings of the young artist Sasada Shinpei.
First, lets take a look to
First of all, it is from "Shake Nehan-zu No.4 (Shake nirvana painting NO.4.)". This is one series that Sasada has been producing from a few years before: the "Shake Nehan zu (Shake nirvana paintings)". Needless to say, it is based on the buddhist picture "Shaka Nehan zu (Budda Nirvana painting)" where he plays with words, changing the word “Shaka”, that means Buddha for the word “shake”, that means salmon in Japanese. Not only the wordplay is present in the title, but also the vestment that Buddha wears in the picture is patterned with slices of salmon.
This time, the author, not being content with the concepts that has been creating in the past works, seems to be stepping forward to a new horizont of meditation, synthesizing elements of from Western and Oriental painting to try a duet of deeper meaning and chaos of thought.
For example, he is merging one of the most famous motifs of Western religious painting, “the Last Supper” with the climax of Oriental Buddhist painting, the "Nirvana painting". The main dish of the "Last Supper" is fish, and this time is analogically treated with the shake　(salmon), which it is counted as one of the most typical breakfast meals in Japan. And, another point worthy of attention is that he has drawn the apprentices of Buddha in the surroundings as an expression of group.
I guess I’m not the only one that feels mysteriously strange at the viewing of this painting. If you are Japanese, what do you see here? Or, if you are a spectator from the West? Let's throw out these questions as they are for the moment.
This time, not only there is the continuing track in the work of Sasada, like the "Shake Nehan zu" , but also there is a new challenge this time. First of all "Deva". This means "Heaven part" of esoteric Buddhism in the Sanskrit language. The woman with the arms held up high is shown as a beautiful appearance though strong and severe, just like the Four Heavenly Kings trampling down a demon.

Moreover, the Buddhist goddess's physical beauty catches the heart of the author, that devotes all his energy to the form and composition of the painting. Actually, what she has holding in her hands is a rice plant from Tohoku, eastern region of Japan that has received the unprecedented damage of the tsunami due to the earthquake in last March.
Another work entitled "Awakening Night" depicts a Cinderella after midnight, when all the magic has dissolved in the air. The castle, still ecstatic after the ball, stands far away, but the coach is back as a pumpkin, and so all the carriage is transformed into its original form, the coachman to a horse, the horses to rats and the servant to a dog. Like a nuclear plant that was the ‘dreamt energy’, explodes and the one night illusion also vanishes in the air. However, this Cinderella is shown as a virile woman, with long powerful arms, dignified eyes, and masculine feet with long strong fingers. Might she being knowing all the ‘fairy tale trick’ from the beginning?
In her eyes showing a strong will and intention, it can be seen a wish of an artist, for a new future.

Well, the artist has developed a peculiar style that can be thought as a mixture of West and Oriental painting up to now. For instance, though being related to Western painting motifs, he has some characteristics that don’t allow him to be catalogued as Western painting.
For example, he has been giving interpretation to the character of the so-called "Western-style painting" of modern Japan, or some times has rubbed gypsum into the canvas to create cracks in the picture and give a texture similar to that of the old Buddhist paintings, or sometimes, though using traditional western perspective, constructs the picture with a strange composition that gives it a flatness like the set of a movie or a Japanese manga painting, an always seems to cut the relationship with the western painting.
Moreover, as he does including the images of the Four Heavenly Kings image in "Deva", there are touches of Japanese taste too, although, it has to be said, that the author doesn't have the “japonistic” taste that exists in the actual Japanese modern art world, because that are not the real intentions of Sasada, who gives much more importance to the aesthetics of the frame or the idealization of the forms in the picture, essencial elements of the painting.
Anyway, for us, that are used to categorize paintings almost inconsciently as Western or Oriental, modern or contemporary, and so on, it is something difficult to assimilate, as fundamental questions like ‘what is the West?’, ‘what is the Orient?’, ‘what is Japan?’, ‘what is contemporary?’ are thrown to us without any mercy. That can be said to be a result of Sasada’s equal point of view, assuming both Orient and West, modern and contemporary as even in value. Certainly, many different meanings are able to be read from his canvas and makes the interpretation difficult. However, these works are without any doubt the actual state of a young painter who sensitively and coolly watches himself. A young pioneer that is challenging art, wonders while advancing, and advances while wondering. Also the strong expression is there due to the torment of the young artist. It can be said that in these works, the true and straight attitude and the expression of his creativity are the real charms of the paintings. Shinpei Sasada is now struggling even more strongly, to go to a next dimension. Now viewers will be able to see there the figure of an a artist in its most sharp form. 　©Ohshima Fine Art

笹田晋平　創作・2011年

此次我們將展出三件新銳藝術家笹田 Shinpei的作品。第一件，是來自《鮭魚涅槃》系列的《鮭魚涅槃4號》(Shake nirvan painting NO.4.)。這件作品是笹田一直在創作的系列作品《鮭魚涅槃》中的一件作品。這個系列作品根據佛教的畫作而創作。藝術家藉由文字遊戲，將佛陀改為鮭魚(日文的佛陀「Shaka」字與鮭魚「shake」相近)這種文字遊戲不只被用在名稱上，藝術家也刻意的將佛陀身上披的薄袍化為鮭魚片。

這一次，藝術家好像不滿於前人所創造出來的概念一般，再往前勾勒出新的地平線；藝術家揉合東西方藝術元素，嘗試創造出一種更具深意同時又帶有混亂的概念。

舉例來說，笹田融合了西方最受歡迎的宗教繪畫主題《最後的晚餐》與東方的佛教畫作《涅槃》。《最後的晚餐》中，桌上的主菜是魚，然而這次藝術家用類比的方式，在盤中置入了日本人最常當作早餐的鮭魚 。同時，另一個值得注意的特色在於他將跟隨佛陀的人視為一個群體。我想我不會是唯一一個在觀賞這幅畫時感受到一股謎樣的奇異感覺。如果你是日本人，你在畫作中看到些甚麼?
如果你是西方的觀眾，那你又看到些甚麼?讓我們先將這些問題放在一邊。
這一次，我們不但可以看到笹田一貫的風格，一如《鮭魚涅槃》，還可以看到另一件挑戰觀者視野的《神》。 「神」代表梵語中佛教密宗所指的極樂世界。化作終將雙臂舉高的女人，雖然看來強壯且嚴厲，但是有著美麗的容貌，就如同四大天王在降伏惡魔一般。藝術家為了表現出女身菩薩的美貌，在雕琢上下了不少功夫。事實上，菩薩手持著日本東北地區所出產的稻米，東北地區正是在三月份時因地震受到海嘯摧殘的區域。

另一件名為《甦醒的夜》的作品則描述了童話故事灰姑娘在午夜過後，當所有的魔法都消失時的遭遇。遠處的城堡在舞會後仍然喧騰著，但是馬車已經變回一顆南瓜，所有的東西都變回原貌。馬車伕變回一匹馬、馬匹變回老鼠，而僕人則回到狗的原貌。藝術家想說明的是，核能發電就像「夢想中的能源」，在一次爆炸之後，所有一切都消失無蹤。然而，灰姑娘在作品中被描繪成一個陽剛的角色，有著長而有力的手臂、莊嚴的眼神及強壯而有力的腳。她有可能已經預想到這一切到頭來只會是一個「童話故事橋段」嗎?在灰姑娘眼中我們可以看到一股堅定的意志與企圖，可以說是表達出藝術家展望未來的暗示。

不論如何，藝術家創造出一種奇特的風格，可以被視為東西方的混和體。有個很好的例子:即使採用了西方繪畫的主題，其作品中仍有一些特點是無法一併被歸類到西方繪畫中的。

藝術家一直以來都在詮釋所謂的「西方繪畫」下的現代日本繪畫，有時他也會將石膏混入油畫顏料中，製造出一種粗糙的、與佛教壁畫相似的肌理。有時候，藝術家雖然採用了西方繪畫的構圖，但是同時也融入了平面式、如同日本漫畫中的繪畫方式，藝術家看似一直保持著他與西方繪畫的距離。

更甚者，當他將四大天王的形象加入倒《神》之中，畫面立刻透露出日本繪畫的趣味，即使藝術家並不是真的具有所謂時下日本藝術中「日本流」的精神。正因為笹田志不再於表現這種日本精神，他在強調美感的方面下了許多功夫，諸如藝術家對畫面構思的形式、畫框的類型等不可或缺的元素。

將作品歸類為西方或東方繪畫、前衛或當代等等已經成為一種習慣，但是要明確定義出「西方」、「東方」、「日本」、「現代」繪畫，卻不是那麼容易。也因此，笹田的作品可以說是對這些東方、西方元素一視同仁，將它們看作是平等的。無庸置疑的，笹田的油畫作品訴說著許多不同的意義，也正因如此很難解讀他的作品。這些作品是一個年輕藝術家敏感的、沉著的檢視自己所創作出來的畫作。笹田正是一個挑戰藝術的年輕先鋒，在摸索中創新，也在創新中摸索著。

在這位年輕藝術家的作品中可以感受到他因為自身遭遇而提出的強烈聲音。在這些作品中，真實且直接的表達方式及他的創意正是引人入勝之處。笹田現在更加奮力地要開創出新的範疇。 觀賞者將可拭目以待一位年輕藝術家更為尖銳的意我表現。　©Ohshima Fine Art